sexta-feira, 29 de dezembro de 2023
Queen - Queen (1973)
quinta-feira, 28 de dezembro de 2023
Eagles - One of These Nights
E basicamente o que temos aqui? Uma coleção primorosa de belos arranjos e letras acima da média. Assim que chegou nas lojas o público correu para transformar o vinil em um dos mais vendidos da história, com quatro milhões de cópias consumidas em poucas semanas. Isso abriu as portas do sucesso internacional ao Eagles que saiu em sua primeira turnê fora dos Estados Unidos. O resto é história. Embora hoje em dia o Eagles seja considerada apenas uma banda de rock country blues ao estilo jurássico, o fato é que o som das águias atravessou o tempo, comprovando a extrema qualidade de suas gravações, que resistiram bravamente ao teste do tempo. / Produção: Bill Szymczyk / Formato Original: Vinil / Músicos: Don Felder, Glenn Frey, Don Henley, Bernie Leadon, Randy Meisner
Eagles - One of These Nights (1975)
One of These Nights
Too Many Hands
Hollywood Waltz
Journey of the Sorcerer
Lyin' Eyes
Take It to the Limit
Visions
After the Thrill Is Gone
I Wish You Peace.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 26 de dezembro de 2023
Pink Floyd - Atom Heart Mother
Já o Lado B do antigo vinil era um pouco mais familiar e convencional aos ouvidos. “If”, por exemplo, é uma linda balada com melódico dedilhado de violão. Tudo muito suave em ótima vocalização, quase sussurrada. Soa quase como uma proposta de relaxamento após o monumental Lado A do disco. Sendo sincero se não fosse as guitarras ao fundo, “If” poderia ser até mesmo classificada como uma doce cantiga de ninar, tamanha sua suavidade. O tom segue na faixa seguinte, “Summer 69” onde Richard Wright mostra todo o seu talento de compositor, pianista e vocalista. Uma canção evocativa que nos transporta imediatamente para aqueles anos maravilhosos. Considero Wright um subestimado dentro da música do Pink Floyd. Não teve o reconhecimento devido. A última canção mais, digamos, convencional do álbum é “"Fat Old Sun" onde quem dá as cartas é o guitarrista David Gilmour. Encerrando esse grande disco temos a psicodélica e cinematográfica "Alan's Psychedelic Breakfast”, uma canção que só poderia ser lançada pelo Pink Floyd mesmo. A palavra chave aqui é vanguarda. Curiosamente o disco passa por uma revisão atualmente. Gilmour e Waters divergem sobre o resultado do álbum em determinados pontos. Para Gilmour o conceito era de fato fantástico mas faltava maior experiência para o Floyd naquele momento histórico. Em sua forma de pensar poderia ter saído melhor. Para Waters o disco é um marco mas não atendeu as suas expectativas. No fundo isso é um exercício de retórica vazia. O disco é um dos mais fantásticos da história do rock, dando inicio a toda uma nova era no gênero. Todo o resto se torna secundário.
Pink Floyd - Atom Heart Mother (1970)
Atom Heart Mother
If
Summer '68
Fat Old Sun
Alan's Psychedelic Breakfast
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 22 de dezembro de 2023
Led Zeppelin - Led Zeppelin (1969)
terça-feira, 19 de dezembro de 2023
Raul Seixas - Krig-ha, Bandolo!
Olhando hoje em dia o disco mais parece uma seleção de grandes sucessos. Isso porque vendeu muito e tocou bastante nas rádios. A parceria com Paulo Coelho rendeu clássicos eternos do rock nacional. Os maiores hits do disco sem dúvida foram "Ouro de Tolo", uma paródia em cima da classe média boboca brasileira e "Mosca na Sopa", com toda a baianice inerente do Raul Seixas. Outra faixa marcante foi "Metamorfose Ambulante" que ele havia sido escrito na adolescência e "Al Capone" onde ele usava personagens históricos para ironizar a seriedade da história. Enfim, grande disco do grande Raul Seixas. Esse aqui é uma obra prima da música brasileira.
Raul Seixas - Krig-ha, Bandolo! (1973)
Mosca na Sopa
Metamorfose Ambulante
Dentadura Postiça
As Minas do Rei Salomão
A Hora do Trem Passar
Al Capone
How Could I Know
Rockixe
Cachorro Urubu
Ouro de Tolo
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 15 de dezembro de 2023
The Beach Boys - Surfin´ Safari
Apesar de ter sido apenas o primeiro single nacional dos Beach Boys "Surfin' Safari" imediatamente caiu no gosto de seu público alvo, os jovens californianos, que passavam o dia na praia pegando onda, namorando e vendo o sol se por. A incrível vocalização alcançada pelo grupo, aliado a um delicioso acompanhamento instrumental acertou em cheio nas paradas. Para uma banda jovem que era completamente desconhecida, o décimo quarto lugar alcançado na primeira semana de lançamento na prestigiada Billboard Hot 100 representou uma vitória e tanto para os rapazes. A Capitol tinha grandes planos para os Beach Boys, principalmente a gravação de um álbum e esse single serviu como um termômetro do mercado, para sentir até onde aquele som poderia ir. Os meses que viriam demonstrariam a força comercial dos Beach Boys. Aliás quando ocorreu a invasão britânica nas paradas americanas com a chegada dos Beatles foram eles, os Beach Boys, a única esperança do rock americano em combater os ingleses, luta essa em que eles se apresentaram muito bem, mostrando que o bravo rock Made in USA ainda sobrevivia e era forte o suficiente para bater com os quatros cabeludos de Liverpool de frente! E pensar que no começo os Beach Boys só queriam mesmo um lugar ao sol...
Pablo Aluísio.
terça-feira, 12 de dezembro de 2023
Paul Anka - Diana
sexta-feira, 8 de dezembro de 2023
The Doors - The Soft Parade
Na segunda metade dos anos 60 os Beatles lançaram um disco que abalou o mundo da música: "Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band", já ouviu falar? Se sua resposta for não, então você é definitivamente um tapado em termos de Rock'n'Roll. O Rock, antes considerado uma arte menor, ganhou status de arte maior com esse trabalho, levando todos, inclusive os mais conceituados críticos musicais a ouvirem esse marco da história mundial. Criou-se assim, pela primeira vez, o conceito de grande arte ao mais popular gênero musical do planeta. De uma hora para outra todas as bandas de rock do mundo se sentiram desafiadas a aprimorar e tentar, se não a superar, ao menos se igualar ao revolucionário disco do grupo inglês.
Os Doors, principalmente Krieger e Manzarek, chegaram a conclusão que deveriam enriquecer seu próximo disco com orquestrações e arranjos mais bem elaborados. Então o grupo se trancou em estúdio e durante mais de um ano tentou todas as combinações e experimentos possíveis. O estúdio gastou uma fortuna, todo mundo ficou esgotado, principalmente Jim que não gostava de super produções. Gravado em oito canais entre novembro de 1968 e junho de 1969, no Elektra Sound Studios (Hollywood, CA) o disco só foi lançado oficialmente nos EUA no dia 18 de julho de 1969. Novamente o grupo foi produzido por Paul A. Rothchild. The Soft Parade foi o disco dos Doors que teve a mais longa e cara produção. Foi lançado em julho de 1969 (depois de quase um ano de preparo), mas não foi bem acolhido pela crítica, talvez motivado pelo escandaloso show de Miami, ocorrido poucos meses antes.
O público também estranhou o resultado, dizendo que a banda não era mais a mesma, que havia se vendido. Mas a verdade é que esse é realmente um disco bem diferente do que os Doors já haviam lançado anteriormente, com arranjos orquestrados e repletos de instrumentos estranhos à banda, como trombone, conga e violino (que aparecem logo na espalhafatosa introdução de Tell All the People). Além disso, uma outra voz é ouvida, já que o guitarrista Robby Krieger canta o refrão da canção Runnin' Blue. Um outro detalhe intrigou os fãs: a autoria das canções, antes creditadas a todos os integrantes, dessa vez era dividida entre Morrison e Krieger. Estariam os Doors passando por uma crise interna? Não era possível dizer. Mas logo o episódio de Miami foi (parcialmente) esquecido e o single "Touch Me" invadiu as rádios e elevou as vendas dos álbum, que se tornou mais um sucesso. Singles nas Lojas : Touch me / Wild child - Em dezembro de 1968 a banda lançou o primeiro single deste disco, aliás o primeiro de quatro, o que foi um recorde para o grupo.
O lado A trazia "Touch Me". Quem ouviu já sacou: Jim estava levemente embriagado quando gravou essa faixa, mas tudo acabou dando um toque especial a música. Outro dado: esta canção é na verdade, uma mistura de muitos takes diferentes, por isso se nota também uma certa diferenciação no vocal de Jim ao longo da canção. "Wild child" é um boa canção, principalmente pela introdução envenenada da guitarra de Krieger e mais uma vez Jim aparece com seu estilo vocal dúbio, de quem acabou de sair de um bar. Em suma: Blues etílico.
Wishful, Sinful / Who scared you? - Em fevereiro de 69, os Doors lançam um novo single, deixando todo mundo surpreendido. "Wishful, Sinful" é uma balada triste, puxada para blues (mais uma vez!). O grande problema dessa canção e das outras do disco, é que há tantos instrumentos ao mesmo tempo que a voz de Jim acabou ficando ofuscada, sendo afogada numa verdadeira overdose musical. No Lado B do compacto foi colocada uma canção fraquinha que acabou não entrando no disco, "Who scared you?" é tudo o que um lado B é: totalmente descartável. Tell all the people / Easy ride - Tá legal, todo mundo fala mal de "Tell all the people", mas absolutamente não concordo com esse tipo de opinião. Gosto muito da canção, aliás a considero a melhor de todo o disco. De todas é a que apresenta a melhor harmonia entre a orquestra. Além disso Jim está em ótima fase vocal, tudo aliado a bonita melodia. Nota 10! "Easy ride" é uma música rápida que cola na sua mente com força. Facilmente assobiável e tudo o mais, ela também é um ótimo momento do disco, por isso dos quatro singles extraídos do disco, este é disparado o melhor de todos.
Running Blue / Do it - Mas quem diabos é este que canta com Jim durante "Running blue"? Ora é Robbie, que como vocalista é um ótimo guitarrista! Essa foi a única vez que Jim dividiu o microfone com alguém da banda (graças a Deus!). Talvez a existência desse quarto single (um exagero!) tenha sido uma forma de homenagear o guitarrista e compositor da banda. Mas sinceramente, Krieger acabou com sua própria música, sendo muito ruim sua participação. Ponto final. No lado B do single "Do it" com algumas inovações durante a execução, mas que nada mais são do que fruto do complexo de Lennon/McCartney de Krieger. O single foi lançado em agosto de 1969.
Enquanto isso, fora dos estúdios...
Nesta fase de gravação de "The Soft Parade" o single "Hello, I Love You" estourou na Europa, levando os Doors à sua primeira e única grande turnê internacional, que passou por países como Inglaterra, Alemanha, Holanda, Dinamarca (foto) e Suécia. Foi uma das excursões mais alucinadas da história do Rock, com muitos escândalos promovidos por Jim Morrison, com muito excesso de drogas, mulheres e bebedeiras, levando o vocalista a bater seus próprios recordes de extravagâncias. Em Londres eles se apresentaram no Roundhouse, uma tradicional casa de shows da Inglaterra. Os britânicos definitivamente não estavam preparados para Jim, ele entrou no palco totalmente narcotizado e bêbado, mas mandou ver em um dos melhores shows da banda. Depois o grupo foi para a Alemanha, em Frankfurt e Jim se sentiu em casa. Conhecida como uma das cidades mais sofisticadas da Europa, aqui a banda fez um show que entrou para a história da cidade. Jim terminou a noite em um bar de strip tease da cidade e a imprensa alemã não deixou este fato passar em branco.
Em Amsterdam aconteceu o pior: Jim estava totalmente fora de controle, O Jefferson Airplane abriu o show dos Doors naquela noite, mas no meio de sua apresentação, Jim apareceu no palco, para surpresa de todos, com uma garrafa de whisky na mão, totalmente embriagado, tentando acompanhar o Airplane que totalmente atônico, ficou sem saber o que fazer! Jim continuou dançando ao som da música da banda, num espetáculo trágico e engraçado ao mesmo tempo! Na verdade ele deu um vexame daqueles, na frente de todo mundo! No final ele mal conseguiu deixar o local, de tão chapado que estava, sendo carregado para o hospital mais próximo. Mas nem por isso os Doors deixaram de realizar o show, a banda entrou sem Jim mesmo, pediu desculpas e interpretou todas as canções sozinhos. Jim estava sempre bêbado e drogado e depois confidenciou a um amigo que "Não se lembrava dos shows dos Doors na Europa"!
Essas apresentações viraram um especial para a TV inglesa chamado The Doors Are Open, que mais tarde também foi lançado em vídeo. Antes do lançamento do quarto disco da banda, o orquestrado e exagerado The Soft Parade, ocorreu o que é tido como o começo da queda de Jim Morrison. Dia 1 de março de 1969 é a data do famoso show de Miami, onde Jim, completamente bêbado, foi acusado de exibir seu pênis para a plateia, incitar baderna e proferir discursos obscenos. Ninguém sabe ao certo se tudo isso ocorreu ou não, mas o vocalista foi a julgamento e acabou condenado a seis meses de detenção. Além disso, praticamente todos os shows agendados foram cancelados e a banda se tornou "persona non grata" em todo o território americano.
Enquanto os advogados apelavam da decisão judicial, tentando abrandar a pena do vocalista, aos poucos os shows foram se tornando mais frequentes outra vez, e a banda começou a gravar suas apresentações para o lançamento de um álbum ao vivo. Esse material foi lançado em 1970 como um LP duplo chamado Absolutely Live, que misturava canções já conhecidas com algumas inéditas. Em seguida, mais um de estúdio, batizado com o nome Morrison Hotel. Os que achavam que os Doors haviam entrado em decadência com The Soft Parade encontraram muito vigor no novo trabalho, que deixava as orquestras totalmente de lado para fazer um rock cru e mais blues do que nunca. Mas essa é uma outra história que vamos contar no mês que vem... até lá.
Existem pessoas que não gostam desse disco dos Doors. Chegam a dizer que é o disco do grupo que menos se parece com sua sonoridade habitual. Ora, esse tipo de mentalidade é bem equivocada. A verdade é que uma banda de rock sempre deve procurar por inovação e não ficar na mesma tecla, álbum após álbum. Assim se esse disco foi inovador na carreira dos Doors, então palmas para eles. A busca por inovação sempre será muito bem-vinda.
O disco abre com uma faixa que até considero bem convencional. Trata-se de "Tell All the People". O único maior diferencial digno de nota é o abrasivo arranjo de metais logo em seu começo. Certamente não era algo que um fã dos Doors estava esperando encontrar. Porém tirando esse pequeno detalhe tudo o mais parece bem de acordo com o tipo de música da banda em seus álbuns anteriores.
Jim Morrison não gostou muito dessa letra que foi escrita totalmente pelo guitarrista Robbie Krieger. Aliás a música é inteiramente dele, desde sua letra, até sua melodia. Morrison, como já era óbvio naquela fase da carreira, preferia mesmo cantar seu próprio material. A maioria de suas músicas apenas adaptavam sua poesia. Era uma poesia cantada. De qualquer forma como Jim gostava muito de Robbie, ele procurou dar o melhor de si na gravação, em sua performance vocal. E ficou muito bom, temos que reconhecer.
A canção inclusive foi escolhida para ser lançada depois também como single, o terceiro extraído das faixas do disco. Não fez muito sucesso, é verdade, ficando apenas na posição 57, mas de qualquer forma foi um espaço a mais dentro da discografia dos Doors para o trabalho composto por Krieger, que era um músico talentoso, mas também uma pessoa bem tímida, que nunca procurava se impor aos demais membros do grupo.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 5 de dezembro de 2023
Rolling Stones - Out of Our Heads
O resultado é dos melhores. Considero o álbum um dos mais pertinentes do grupo em termos de melodia e arranjos. Os primeiros discos dos Stones deixavam muito a desejar nesses aspectos mas aqui a sonoridade melhora muito. Um exemplo perfeito do que digo surge logo na primeira canção, "She Said Yeah" com suas linhas de guitarras furiosas. Apesar de ser um cover é uma das melhores gravações dos Stones. No quesito garra e pique poucas vezes eles fizeram algo melhor do que isso. É interessante perceber que nessa fase inicial eles ainda não estavam muito seguros como compositores, preferindo se apoiar em material escrito por outros compositores. Assim temos apenas três canções escritas pela dupla Mick Jagger e Keith Richards: "Gotta Get Away", "Heart of Stone" e "I'm Free". Note que a versão do disco britânica que estamos comentando aqui foi bastante diferenciada da americana pois nos EUA a gravadora ianque incluiu o megasucesso "(I Can't Get No) Satisfaction", que não fez parte da seleção musical inglesa. Era como se o Help dos Beatles saísse com "Yesterday" em sua versão americana mas não na inglesa. Deu para sentir o drama? É óbvio que por essa razão a edição USA é bem superior à britânica mas como sou tradicionalista ainda prefiro a discografia original do grupo para ouvir (e na minha opinião a discografia original é exatamente a de seu país de origem, ou seja, Made in England). Assim lhe deixamos a dica. Esqueça esses Stones que estão aí celebrando 50 anos de carreira ou mais. Isso tudo é puro marketing. Prefira os caras em seus primórdios, quando eram apenas cinco amigos tentando dar o melhor de si para vencer no mundo da música. Isso aconteceu antes da morte de Brian Jones e da saída de Bill Wyman. "Out of Our Heads" é perfeito nesse sentido.
Rolling Stones - Out of Our Heads (1965)
She Said Yeah
Mercy, Mercy
Hitch Hike
That's How Strong My Love Is
Good Times
Gotta Get Away
Talkin' 'Bout You
Cry to Me
Oh Baby (We Got a Good Thing Goin'
Heart of Stone
The Under Assistant West Coast Promotion Man
I'm Free
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 1 de dezembro de 2023
The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Na época muitos críticos e analistas musicais classificaram o disco como “conceitual”, uma denominação que os próprios Beatles desconheciam. Na verdade não foi bem assim. O próprio Paul McCartney, que teve a ideia original do disco, jamais o arquitetou dessa forma. De fato como o próprio Paul explicou mais tarde apenas as 2 primeiras faixas tem algo em si, inclusive são interligadas. Depois disso Lennon apresentou suas canções ao grupo, músicas que tinham sido compostas em separada, sem a concepção do álbum em mente. O curioso é que em termos de sonoridade e avanço realmente havia uma tênue linha ligando todo o material mas isso surgiu de forma bem espontânea, pois John ao compor temas como “A Day in The Life” jamais havia pensado na ideia de Paul para o disco em si. Foi de certa forma um feliz encontro de ideias que resultou em um disco realmente genial, que resistiu a tudo, inclusive ao tempo. Recentemente promovi mais uma audição atenta do conjunto da obra. Realmente as canções, todas psicodélicas, soam seguindo uma proposta, algo indefinido entre o mundo circense, a grande arte da Londres da década de 60, peças de vaudeville, nostalgias dos anos 20 e muito mais. É um caleidoscópio de influências que os Beatles receberam ao longo da vida. O diferencial aqui é que eles jogaram tudo de uma vez, numa só obra musical. Por isso assustou, por isso revolucionou tanto.
Entre as faixas novamente se sobressai o talento de John Lennon como compositor. Não se sabe ao certo a razão, se foram as drogas, se foi seu encontro com Yoko, não sei, o que se pode perceber nitidamente é que ele está numa fase extremamente inspirada por essa época. As três canções mais marcantes do álbum levam sua assinatura pessoal, de digital mesmo. "Lucy in the Sky with Diamonds" não é uma música psicodélica como cantam em prosa e verso por aí. Vou mais além e afirmo que ela é o psicodelismo. Como todos sabem Lennon foi acusado de estar promovendo o ácido lisérgico com a canção pois suas inicias formavam a sigla LSD. Lennon rebateu as acusações dizendo que era mera coincidência pois a letra havia sido inspirada em um desenho de seu filho Julian. Será mesmo? Quem tem a razão? Não importa, LSD, digo, "Lucy in the Sky with Diamonds", é realmente fantástica. Outra faixa forte e marcante é a já citada "A Day in the Life", na verdade uma coleção de músicas inacabadas de Lennon que resolveu unir tudo sob um arranjo extremamente inovador. Paul dá sua contribuição nos arranjos orquestrais. Por fim temos a circense "Being for the Benefit of Mr. Kite!". A letra foi toda inspirada em um velho cartaz que Lennon comprou em um sebo. Vejam como ele era criativo. Compôs toda uma canção apenas utilizando os nomes e eventos que estavam nesse velho comercial de um circo do século passado. O arranjo é um primor e nesse aspecto temos que bater palmas para George Martin, o talentoso maestro que tanto contribuiu para o sucesso do quarteto britânico.
Deixei para falar de Paul por último porque queiram ou não ele é o grande nome por trás desse projeto. Ele concebeu esse conceito de os Beatles surgirem no disco como se fossem um outro grupo musical, justamente o que dá nome ao álbum. Em sua cabeça Paul queria que o consumidor levasse para casa um disco do "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" e não dos Beatles. Essa metalinguagem desse trabalho eu realmente acho genial. Também é importante frisar que ao contrário de Lennon, sempre instigante, ácido e mordaz, McCartney trazia belas melodias aos discos do conjunto. Aqui não foi diferente. De fato as melhores linhas melódicas levam sua marca registrada. "She's Leaving Home", por exemplo, é belíssima. Evocativa e nostálgica a canção é beleza rara em notas musicais. "When I'm Sixty-Four" segue seus passos. O som lembra o melhor das antigas big bands americanas das décadas de 20 e 30. Paul com nostalgia de um tempo não vivido. Genial. George Harrison, mais envolvido do que nunca com a religião e cultura indianas surge com "Within You Without You". Eu confesso que essa é a única música do disco que não me agrada muito. É um tipo de musicalidade muito específica, não digo que é ruim, apenas que não faz o meu estilo. Enfim, eu poderia ficar dias e noites escrevendo sobre as qualidades de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" mas isso é realmente desnecessário. A obra fala por si mesma. Não adianta ficar procurando o conceito ou a falta dele entre as faixas. O importante é ouvir seu som atemporal. É isso que faria o Billy Shears. Quem é o Billy Shears? Bom, essa é uma outra estória que a gente vai contar por aqui... faixa a faixa:
1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Lennon / McCartney) - Paul McCartney sempre foi um gênio criativo. Durante uma viagem a negócios nos Estados Unidos nos anos 60 ele rascunhou em um guardanapo dado pela empresa aérea uma nova ideia. Imagine que os Beatles não mais existissem. Imagine que Paul, George, Ringo e John fossem apenas membros de uma banda ao estilo do século XIX chamada "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"! Algo bem Old School, era Vitoriana, Vaudeville, do velho teatro inglês do século passado, algo misturado também com o conceito das antigas fanfarras que cruzavam o interior durante as festas regionais, as feiras de produtores rurais de Liverpool e redondezas. Quando retornou a Londres, Paul apresentou a ideia inicialmente para John Lennon. Ele demorou um pouco a pegar o conceito, mas quando finalmente entendeu as intenções de Paul, adorou! Era algo inédito dentro da indústria fonográfica, realmente revolucionário. No começo a gravadora dos Beatles, a EMI, ficou com receios, principalmente depois que Paul disse que não queria a marca "Beatles" nem na capa do disco e nem na propaganda de lançamento do novo álbum. A EMI deveria promover apenas a bandinha do Sgt Pepper. É claro que depois de muitas reuniões Paul voltou atrás, mas o conceito artístico inicial iria prevalecer. Os Beatles basicamente iriam fingir (ou interpretar) que eram parte de um outro grupo musical.
2. With a Little Help from My Friends (Lennon / McCartney) - "With a Little Help from My Friends" é uma das canções mais emblemáticas do álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". O curioso é que não havia muita pretensão sobre ela quando Paul a compôs. Na verdade ele queria utilizar a música como meramente um link, um elo de ligação entre a faixa principal e as demais canções do disco. Para isso chamou Ringo para os vocais, por causa da simplicidade melódica da faixa. Outro fato muito curioso é que Paul criou uma figura imaginária chamada Billy Shears que depois foi usado pelos fãs de teorias da conspiração como uma das pistas deixadas pelos Beatles após a morte de Paul em 1966! Tem coisa mais maluca do que essa? O sósia de Paul, colocado em seu lugar, seria justamente o tal de Billy Shears! Bizarro! De qualquer forma nada disso impediu uma bela gravação dos Beatles. Hoje em dia também é impossível citar essa música sem falar de Joe Cocker. Ele fez aquele que talvez seja o cover mais famoso de uma canção dos Beatles. Sucesso em Woodstock virou um símbolo dos anos 60, conseguindo ganhar inclusive personalidade própria, algo que surpreendeu os próprios Beatles.
3. Lucy in the Sky with Diamonds (Lennon / McCartney) - Sem dúvida uma das canções mais lembradas desse clássico álbum dos Beatles é a maravilhosa "Lucy in the Sky with Diamonds", uma verdadeira obra prima de John Lennon. Assim que o disco foi lançado começaram as especulações sobre o significado de sua estranha letra. Afinal a frase "Lucy no céu com diamantes" não fazia muito sentido. Várias versões surgiram até que um crítico de Nova Iorque escreveu um artigo dizendo que havia entendido a mensagem cifrada de Lennon. As iniciais da canção formavam a sigla LSD! Bingo! Isso mesmo, John havia composto uma música em homenagem à droga lisérgica que estava se tornando moda na época. Não era segredo para ninguém que John estava consumindo LSD em grandes quantidades nesse período em sua vida. Só que assim que soube dessa interpretação John chamou a imprensa e disse que sua criação psicodélica nada tinha a ver com LSD. Ela havia sido criada após seu filho Julian lhe mostrar um desenho feito na escola. Quando John perguntou a Julian o que aquilo significava o garoto respondeu: "Essa é Lucy, no céu, com diamantes". Ora, isso para uma mente criativa como John foi o bastante. Assim ele acabou criando a música. Para provar seu ponto de vista Lennon chegou até mesmo a mostrar o desenho do garoto para a imprensa.
4. Getting Better (Lennon / McCartney) - "Getting Better" por outro lado nunca foi um grande sucesso dos Beatles. De certa forma é um típico lado B da banda, uma canção que apesar de ser bem gravada só servia mesmo para completar cronologicamente o disco como um todo. Nunca gostei muito dessa composição de Paul McCartney. Sempre achei inclusive uma criação um pouco preguiçosa, que usava e abusava de clichês musicais em praticamente todas as suas linhas. McCartney certamente poderia fazer melhor, porém acredito que ele estava simplesmente exausto depois de meses e meses de estúdio, trabalhando em cada detalhe de cada gravação. Com isso um certo ar de cansaço iria mesmo surgir em algum momento. Para não dizer que era um momento de puro desperdício vale elogiar o trabalho dos vocais secundários, que nos fazem lembrar inclusive dos Beatles de "Please, Please Me" e "Rubber Soul". A letra também fugia bastante do estilo enigmático que John Lennon vinha imprimindo nos discos da banda. É bem simples, quase pueril, falando sobre melhorar a cada ano, a cada dia, procurando sempre ser uma pessoa melhor do que havia sido no passado. Nada filosófico, nada obscuro, nada simbólico, apenas uma mensagem de positividade por parte de Paul, que era um otimista incorrigível.
5. Fixing a Hole (Lennon / McCartney) - Para aliviar um pouco tantas sonoridades estranhas e diferentes, Paul McCartney resolveu trazer uma baladinha bem mais simples chamada "Fixing a Hole". O curioso é que Paul decidiu gravar a faixa fora dos estúdios Abbey Road onde o álbum foi praticamente todo gravado. Outro fato digno de nota é que a canção, tal como havia acontecido com "Lucy in the Sky With Diamonds", também foi alvo de interpretações equivocadas. A letra levou alguns a entenderem que ela se referia a heroína, algo que Paul de pronto negou! Ele disse: "Minha inspiração não foi a heroína, droga que não usava na época. Sempre tive medo de agulhas e a heroína era hardcore demais para mim. Na verdade eu me inspirei em alguns trechos do evangelho de Mateus para criar a canção! Foi algo completamente diferente do que depois chegaram a pensar!".
6. She's Leaving Home (Lennon / McCartney) - Outra gravação extremamente bela em termos de arranjos foi "She's Leaving Home". Já fazia alguns anos que Paul e John realizavam trabalhados próprios, bem autorais, dentro dos discos dos Beatles. Eles nunca mais tinham se sentado juntos para criar em conjunto, como havia acontecido nos primeiros discos dos Beatles. Pois bem, aqui John e Paul voltaram a de fato trabalharem juntos na composição de uma música. Paul escreveu as primeiras linhas e John completou. Isso ficou bem claro inclusive na gravação, com Paul cantando sua parte e John as harmonias que escreveu. O resultado ficou belíssimo. É seguramente um dos momentos mais maravilhosos de todo o disco. Uma legítima composição Lennon e McCartney, com tudo de genial que isso significava.
7. Being for the Benefit of Mr. Kite (Lennon / McCartney) - Outra canção do disco que chamou muito a atenção da crítica e do público foi a estranha (e circense) "Being For The Benefit Of Mr. Kite!". Que loucura era aquela? Na verdade a canção veio da cabeça imaginativa do próprio Lennon. Colecionador de antiguidades o Beatle viu esse cartaz antigo de circo em uma exposição. Ele acabou comprando a peça e a pendurou em sua casa nos arredores de Londres. Quando estava sob pressão para compor novas músicas para o novo álbum dos Beatles, Lennon simplesmente olhou para o poster e ali viu toda uma letra, todo um universo próprio, com seus artistas, números de circo, enfim, um poster comercial que tinha um belo sabor de nostalgia de um tempo que não existia mais. Com a ajuda do maestro (e quinto beatle) George Martin, Lennon criou uma sonoridade única na discografia dos Beatles. Sons originais, nunca antes usados em discos de grupos de rock, foram adicionados. Um clima de picadeiro, com malabaristas, palhaços, mágicos e tomadores de leões, como bem resumiu Lennon, tomou conta da faixa. Lindamente produzida, cheia de efeitos sonoros, "Being For The Benefit Of Mr. Kite!" demonstrava que a velha reclamação de Lennon, onde afirmava que suas músicas não eram bem trabalhadas em estúdio pelos outros Beatles, simplesmente não tinha razão de ser. Essa faixa, cem por cento Lennon, era a prova de que sua afirmação não se baseava em fatos verdadeiros. É certamente uma das faixas mais trabalhadas e bem produzidas de toda a discografia do grupo.
8. Within You Without You (Harrison) - Outra canção que causou surpresa foi "Within You Without You". Essa era uma criação de George Harrison que parecia bem determinado em trazer para os discos dos Beatles a sonoridade da Índia, terra que o havia fascinado desde que a conheceu alguns meses antes. Por ser tão específica e tão sui generis, com arranjos e instrumentos orientais, John, Ringo e Paul acabaram não participando da gravação. Apenas George e um grupo de músicos indianos tocaram nela. É uma faixa interessante, por seu valor cultural, porém inegavelmente estranha para os nossos ouvidos ocidentais.
9. When I'm Sixty-Four (Lennon / McCartney) - É consenso praticamente geral que o álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" é um dos maiores discos da história do rock mundial. Mesmo assim é interessante notar que o grupo e seu produtor George Martin não estavam necessariamente focados em gravar um álbum convencional do gênero que investisse em arranjos tradicionais baseados no trio de instrumentos formado por guitarras, baixo e bateria. Eles jogaram as regras e as fórmulas para o alto e inovaram completamente na sonoridade do trabalho. De certa maneira os próprios Beatles não queriam mais seguir o que a gravadora achava melhor para o grupo. Aquela velha história de ser "comercialmente viável". Os Beatles não queriam mais saber disso. Pensando assim acabaram criando uma obra prima. Uma das canções que retratam essa ruptura é justamente essa "When I'm Sixty-Four". Mesmo assinada pela dupla Lennon e McCartney a música foi composta praticamente sozinha por Paul. Isso foi reconhecido pelo próprio John. Durante uma entrevista após o fim do grupo ele respondeu quando perguntado sobre essa faixa: "Essa foi completamente composta por Paul. Jamais sonharia em compor algo parecido". E como vinha acontecendo nas composições de McCartney para esse álbum um arranjo orquestral foi criado, tentando trazer de volta a sonoridade dos anos 20 - afinal a letra era nostálgica. George Martin escreveu também um lindo arranjo de clarinete, pois esse instrumento eram um dos mais populares do começo do século XX. Por fim, depois de tanto trabalho dentro do estúdio, se cogitou lançá-la como single, porém essa ideia foi abandonada. Ela apenas faria parte do álbum Sgt. Peppers. Como era uma música de complexa execução ela jamais foi tocada ao vivo pelo grupo, até porque eles tinham também decidido dar por encerrados os concertos na época de gravação desse disco.
10. Lovely Rita (Lennon / McCartney) - Outra música que foi também uma criação exclusiva de Paul McCartney foi "Lovely Rita". De todas as faixas do álbum essa é considerada uma das mais singelas. Em um disco tão revolucionário do ponto de vista musical e em termos de letras, essa canção é surpreendentemente convencional e pueril. A sonoridade é bem simples e sua letra evoca a figura de uma guarda de trânsito chamada Rita! A letra, em primeiro pessoa, narra essa singela estorinha de amor de alguém que acaba se encantando pela policial. Esse tipo de composição, tão tipicamente selada com o rótulo "McCartney", iria virar alvo de Lennon após o fim dos Beatles. John estaria sempre se irritando com essas baladas românticas escritas por Paul. Para John era um retrocesso, uma perda de tempo.
11. Good Morning Good Morning (Lennon / McCartney) - Talvez para fugir desse tipo de banalidade, John Lennon tenha surgido no estúdio com "Good Morning Good Morning". Sob uma fachada também banal, contando com um momento cotidiano na vida de qualquer um (o acordar pela manhã, o café antes de ir para a escola ou o trabalho, etc), John critica o consumismo e a banalização dos comerciais de TV. Seu alvo era certeiro, pois a canção era praticamente uma sátira aos comerciais televisivos da indústria de cereais Kellogg 's, da marca Corn Flakes. Inclusive durante os anos 70 John iria rasgar o verbo contra o que ele chamava de "indústria do açúcar" que viciava as crianças no consumo de produtos com excesso de açúcar, destruindo a saúde de todos lentamente, ao longo dos anos. Com a explosão dos casos de diabetes que vemos hoje em dia, podemos perceber que ele não estava longe da verdade em sua visão. Coisas de John Lennon, enfim.
12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) (Lennon / McCartney) - Para que tudo saísse perfeito Paul McCartney e o produtor George Martin trabalharam muito juntos dentro dos estúdios. A canção "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" iria aparecer duas vezes no disco. Abrindo o álbum e depois, quase no final, como uma espécie de ligação entre todas as faixas do disco. Essa segunda versão foi chamada por Paul de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)", Era basicamente a mesma música, só que com algumas mudanças sutis na melodia. Paul obviamente queria um arranjo primoroso, com uma grande orquestra por trás de seus vocais. Foi uma gravação extremamente trabalhosa, que levou semanas de gravação árdua dentro do estúdio Abbey Road em Londres.
13. A Day in the Life (Lennon / McCartney) - Durante uma entrevista John Lennon perguntou, com certo cinismo: "Então Sgt Peppers pegou você de surpresa?". Na verdade pegou o mundo musical inteiro de surpresa. A ideia inicial partiu de Paul McCartney. Que tal gravar um novo álbum que não fosse necessariamente dos Beatles, mas de uma banda imaginária chamada Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band? Claro que era algo fora do comum, ainda mais em se tratando de Beatles e toda a sua fama e sucesso mundial. Uma das canções que fez parte desse álbum conceitual (rótulo aliás renegado pelo próprio Paul) foi "A Day in The Life". Essa é uma criação praticamente toda de Lennon. A letra, dividida em três partes, era obviamente uma referência ao período lisérgico pelo qual John passava na época. Longe de ser banal, a canção era aberta a inúmeras interpretações e algumas delas causaram problemas para os Beatles. Há um trecho da letra que diz: "Agora eles sabem quantos buracos são necessários para encher o Albert Hall". A direção da BBC interpretou aquilo como uma referência ao uso de drogas, os buracos seriam os deixados nos braços dos viciados. Lennon reclamou, mas não houve jeito, a música foi banida da programação da emissora.
The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) - John Lennon (guitarra, violão, piano, vocais) / Paul McCartney (baixo, piano, violão, vocais) / George Harrison (guitarra, violão, vocais) / Ringo Starr (bateria, vocais) / Sounds Incorporated (saxofones) / Neil Aspinall (harmônica) / Geoff Emerick (efeitos sonoros) / Mal Evans (piano, efeitos sonoros) / Neill Sanders, James W. Buck, John Burden, Tony Randall (trompas) / Robert Burns, Henry MacKenzie e Frank Reidy (clarinetes) / Arranjos: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, George Martin / Produção: George Martin / Data de gravação: 6 de dezembro de 1966 a 21 de abril de 1967 / Data de Lançamento: 26 de maio de 1967 (Reino Unido) / 2 de junho de 1967 (Estados Unidos) / Melhor posição nas paradas: 1 (Reino Unido) 1 (Estados Unidos).
Pablo Aluísio.
quarta-feira, 29 de novembro de 2023
Gene Vincent And The Blue Caps - Hound Dog / Be-Bop-A-Lula
O que temos aqui nesse EP é um registro ao vivo de Gene Vincent se apresentando no programa de rádio do DJ Alan Freed em agosto de 1956. O que se ouve é um som sujo mesmo, praticamente trash, bem ao gosto dos roqueiros mais rebeldes e insanos dos anos 50. Gene Vincent ao lado de seus Blue Caps apresentam duas canções. A primeira, para surpresa geral, é o grande sucesso de Elvis Presley, a conhecida "Hound Dog". Escrita por Leiber e Stoller e imortalizada pelo Rei do Rock, aqui temos um som bem mais cru e visceral. Gene e seu grupo mais parece uma banda de garagem para falar a verdade (e isso não é nada mal, vamos esclarecer). Depois, no lado B, ele volta ao palco para estraçalhar com seu maior hit, a imortal "Be-Bop-A-Lula" que seria regravada por praticamente todos os grandes nomes do rock mundial nos anos que viriam (era inclusive uma das preferidas de John Lennon). Gene parece chutar algo no meio da faixa, provavelmente o microfone, só para você ter uma ideia do caos completo que eram seus shows! Mais punk rocker do que isso, impossível!
Pablo Aluísio.
terça-feira, 28 de novembro de 2023
Carl Perkins - Dance Album
sexta-feira, 24 de novembro de 2023
Johnny Cash - The Fabulous Johnny Cash
terça-feira, 21 de novembro de 2023
Chuck Berry - One Dozen Berrys
"One Dozen Berrys" faz parte da primeira fase da carreira do cantor. Por essa época ele ainda gravava seus álbuns em Chicago, sob supervisão dos próprios irmãos Chess (Leonard e Phil Chess) que dominavam todo o processo de gravação com mãos de ferro, algo que em pouco tempo os colocaria contra as ideias de Chuck Berry que não ficaria muito tempo no selo - ele saiu batendo a porta literalmente, dizendo que estava sendo roubado pelos donos da Chess na cara dura! De uma forma ou outra não há como negar que é um grande trabalho. Não importam muito as brigas de bastidores quando o ouvinte se delicia com esse repertório. Berry até procura inovar um pouco ao considerar gravar ousadias como "Rockin' at the Philharmonic", uma óbvia tirada de sarro dele para cima dos críticos do Rock ´n´ Roll que não paravam de qualificar as primeiras canções de rock como imbecis e destituídas de valor musical. O tempo, senhor de tudo, porém iria dar o devido reconhecimento para Berry e todos os pioneiros do rock uma vez que esse disco hoje é considerado um verdadeiro clássico! Nada mal...
Chuck Berry - One Dozen Berrys (1958)
Sweet Little Sixteen / Blue Feeling / La Jaunda / Rockin' at the Philharmonic / Oh Baby Doll / Guitar Boogie / Reelin' and Rockin / In-Go / Rock and Roll Music / How You've Changed / Low Feeling / It Don't Take But a Few Minutes.
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 17 de novembro de 2023
Bill Haley & His Comets - Rockin' the Oldies
Bobagem dos jovens, o disco é tão dançante como qualquer outro de Haley. A faixa que abre o disco, uma versão de um antigo clássico do bandleader Larry Clinton chamada "The Dipsy Doodle", tem um balanço irresistível, com ótimo arranjo. As paradinhas e os ótimos solos de guitarra e sax são até hoje muito atuais e empolgantes. Rock ´n` Roll de primeira qualidade. "You Can't Stop Me From Dreaming" vai pelo mesmo caminho. Outra que usa e abusa das paradinhas típicas da primeira geração do rock americano. O piano se mostra mais presente, forte até! Grande arranjo em uma versão saborosa. Em "Apple Blossom Time" o destaque vai para o contrabaixo ao velho estilo (aqueles mesmo que você está pensando, enormes, pesadões, que tomavam quase todo o palco). A melodia é tão simpática que o ouvinte não pode deixar de se encantar. A fórmula "letra - solos de sax e guitarra - refrão pegajoso - e clímax para cima" se repete, o que não deixa de ser algo saborosamente nostálgico. O disco segue nesse esquema musical até se encerrar com a ótima "I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter", muito embora aqui já sintamos um certo cansaço na interpretação do cantor. Se a intenção do velho Bill era demonstrar que o novo gênero chamado Rock ´n´ Roll poderia ser adaptado para qualquer tipo de standart da música americana, ele certamente comprovou seu ponto de vista.
Bill Haley & His Comets - Rockin' the Oldies (1957)
The Dipsy Doodle
You Can't Stop Me from Dreaming
Apple Blossom Time
Moon Over Miami
Is it True What They Say About Dixie?
Carolina in the Morning
Miss You
Please Don't Talk About Me When I'm Gone
Ain't Misbehavin'
One Sweet Letter from You
I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter
Somebody Else is Taking My Place
Pablo Aluísioe.
terça-feira, 14 de novembro de 2023
Louis Armstrong - What a Wonderful World
Diante de tudo isso não é de se admirar que o pessimismo tomasse conta de tantos setores. Para Louis Armstrong sua nação estava perdendo a esperança no futuro, na busca de um mundo melhor. Ele procurava por uma mensagem positiva, de fé e confiança de que as coisas iriam melhorar. Assim quando os autores Bob Thiele e George David Weiss lhe apresentaram a canção em uma mesa de bar em New Orleans, Armstrong se convenceu de que tinha encontrado o que tanto procurava.
"What a Wonderful World" é uma das mais belas canções da música americana de todos os tempos. Essa afirmação pode até soar um pouco banal para alguns mas não tenho receio de reforçar isso. O cantor com seu timbre de voz inconfundível dá um sabor todo especial ao resultado final. A letra, que naquela época foi inclusive acusada de ser pueril e ingênua demais, hoje em dia soa como um antídoto contra os pessimistas e alarmistas de plantão. Apesar de todas as ótimas intenções de Louis Armstrong em seu lançamento o fato é que o clima era tão pesado nos Estados Unidos naquela época que a canção foi praticamente ignorada nas paradas. O single vendeu uma quantidade de cópias irrisória e mesmo Louis Armstrong fazendo força para promovê-la as coisas comercialmente não foram bem nem para ele e nem para a canção.
Na Inglaterra e Austrália porém ela se tornou um sucesso. Os britânicos de uma maneira em geral conseguiram captar melhor a mensagem subliminar que a música trazia. De uma forma ou outra o tempo é senhor de tudo. Muitos anos depois da morte de Louis Armstrong a música finalmente encontraria o caminho da consagração em seu país natal. Ao ser colocada na trilha sonora do ótimo filme "Bom Dia Vietnã" a canção finalmente estourou nas paradas de sucesso americanas. Um reconhecimento tardio, é verdade, mas muito merecido. No final das contas o grande Louis Armstrong e sua sensibilidade sobre o mundo ao seu redor, tinha toda a razão.
What a Wonderful World (Thiele - Weiss) - I see trees of green... red roses too / I see em bloom... for me and for you / And I think to myself... what a wonderful world. / I see skies of blue... clouds of white / Bright blessed days... dark sacred nights / And I think to myself...what a wonderful world / The colors of a rainbow... so pretty ..in the sky / Are also on the faces... of people going by / I see friends shaking hands... sayin.. how do you do / They're really sayin... I love you / I hear babies cry... I watch them grow / They'll learn much more... than I'll never know / And I think to myself... what a wonderful world / The colors of a rainbow... so pretty in the sky / Are there on the faces... of people going by / I see friends shaking hands... sayin how do you do / They're really sayin... I love you / I hear babies cry... I watch them grow / you know their gonna learn / A whole lot more than I'll never know / And I think to myself...what a wonderful world / Yes I think to myself ... what a wonderful world.
Pablo Aluísio.
domingo, 12 de novembro de 2023
Bing Crosby - White Christmas
A partitura acabou caindo nas mãos de Bing Crosby. Era 1942 e o mundo passava pelo trauma da II Guerra Mundial. Crosby queria gravar algo para os militares que estavam longe de casa, em trincheiras congeladas na Europa. Assim que ouviu "White Christmas" decidiu que aquela era a música que tanto procurava. No estúdio Crosby colocou o coração na ponta do microfone e criou um registro único e inesquecível. Ao seu lado músicos talentosos fizeram também sua parte. O acompanhamento vocal ficou com as delicadas garotas do Ken Darby Singers. E na parte instrumental brilhou o talento de todos os grandes músicos da John Scott Trotter and His Orchestra. Crosby acreditou que estava prestando uma singela homenagem aos soldados que estavam lutando na guerra e não tinha a menor ideia do que iria acontecer. O single com duas canções no lado B ("Let's Start the New Year Right" e "God Rest Ye Merry Gentlemen") pintou nas lojas americanas no natal do mesmo ano e foi um fenômeno de vendas. Pela primeira vez na história da indústria fonográfica dos Estados Unidos um disco conseguia vender mais de cinco milhões de cópias. Depois com as reedições a canção foi batendo recordes e mais recordes de vendagens, todos os anos, e hoje estima-se que no total "White Christmas" vendeu mais de cem milhões de cópias ao redor do mundo (sim, você não leu errado, cem milhões!!!). Uma linda música que merece servir de trilha sonora para a noite de natal de cada lar formado por pessoas de bom gosto musical.
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 10 de novembro de 2023
Glenn Miller - In the Mood
Além disso se tivéssemos que eleger uma sonoridade que representasse toda aquela época, sem dúvida "In the Mood" seria a escolhida. Glenn Miller havia assinado um contrato com a RCA Victor e estava disposto a ter seu primeiro grande hit nas paradas. Depois de muito procurar acabou encontrando essa composição antiga, cujos primórdios eram creditados ao músico de jazz Wingy Manone. Ao lado de Joe Garland e Andy Razaf, Glenn Miller escreveu um arranjo mais empolgante, para levantar os ânimos nos salões de festa por onde sua big band se apresentasse. Uma vez arranjada ele a gravou em 1939 e o sucesso foi enorme!
Sob o selo da Bluebird, uma subsidiária da própria RCA, o disquinho 45RPM logo se tornou um dos primeiros da história da indústria fonográfica dos Estados Unidos a vender mais de um milhão de cópias, consolidando a banda de Glenn Miller como a mais popular da América. Depois disso o mundo ficou realmente pequeno e Miller e seus músicos tocaram pelos palcos internacionais, sucesso infelizmente interrompido pelo surgimento da Segunda Guerra Mundial na Europa. Por um desses caprichos trágicos do destino como todos sabemos a história de Glenn Miller não teve um final feliz. Mesmo já tendo passado da idade ele resolveu se alistar como homem patriótica que era.
Entrou para o esforço de guerra, tocando para os soldados americanos no exterior. Em uma dessas viagens de avião, no dia 15 de dezembro de 1944 sua aeronave sumiu dos radares e nunca mais foi encontrada. O desaparecimento de Miller e toda sua tripulação acabaram dando origem a estórias bizarras ao longo do tempo, como a que ele teria sido sequestrado por UFOs e coisas do tipo. De uma forma ou outra é de fato uma pena que um gênio da música como ele tenha saído de cena, tão cedo, com apenas 40 anos de idade. Sua música porém viverá eternamente nos corações daqueles que amam uma bela melodia.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 7 de novembro de 2023
Dean Martin - Dream with Dean: The Intimate Dean Martin
sábado, 4 de novembro de 2023
Frank Sinatra - Songs for Young Lovers
terça-feira, 31 de outubro de 2023
Norah Jones - Come Away With Me
Muito se teorizou para se procurar a razão de tanto sucesso e impacto. Talvez a resposta seja tão simples que não precise de tese alguma. Norah Jones fez sucesso com Come Away With Me simplesmente porque gravou excelentes canções, embaladas por arranjos de maravilhoso bom gosto, tudo aliado a uma sonoridade ímpar e cativante, que bateu fundo aos ouvintes que àquela altura já estavam fartos de tantos grupos sem consistência, divas fabricadas pelas gravadoras e cantores descartáveis. Norah trouxe qualidade musical em uma época em que isso estava simplesmente em extinção. O resultado dessa equação não poderia ter sido diferente e seu grande sucesso comprovou apenas que as pessoas queriam simplesmente ouvir boa música novamente. Norah também rompeu com velhas fórmulas. No ano em que surgiu a moda era venerar as grandes divas, com explosões de ego, estrelismo e excessos de todos os tipos. As cantoras que estavam em evidência na mídia ou eram estrelas deslumbradas com seu próprio sucesso (como Mariah Carey, que recentemente mostrou toda a sua falta de talento desafinando no funeral de Michael Jackson) ou ídolos teen que, para sobreviverem no meio musical, tiveram que adotar uma postura de vulgaridade explicita (como Britney Spears e similares). Norah, com sua timidez quase patológica rompeu com tudo isso.
Sua carreira evoluiu bastante após o lançamento de Come Away With Me. Norah lançou mais dois CDs, o segundo denominado Feels Like Home flertou apaixonadamente com a Country Music e seu último trabalho, Not Too Late, trouxe o lado compositora da cantora, com faixas compostas pela própria ao lado do produtor Lee Alexander. Mas sem a menor sombra de dúvida foi com Come Away With Me e sua parceria vitoriosa com o chamado Jazz contemporâneo que Norah alcançou suas melhores notas. Uma obra irretocável certamente.
Norah Jones - Come Away With Me
01. "Don't Know Why" (Harris)
02. "Seven Years" (Alexander)
03. "Cold, Cold Heart" (Williams)
04. "Feelin' the Same Way" (Alexander)
05. "Come Away with Me" (Jones)
06. "Shoot the Moon" (Harris)
07. "Turn Me On" (Loudermilk)
08. "Lonestar" (Alexander)
09. "I've Got to See You Again" (Harris)
10. "Painter Song" (Alexander, Hopkins)
11. "One Flight Down" (Harris)
12. "Nightingale" (Jones)
13. "The Long Day Is Over" (Harris, Jones)
14. "The Nearness of You" (Carmichael, Washington)
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 27 de outubro de 2023
Snow Patrol - Eyes Open
Em termos de arranjos vale também a menção de "Shut Your Eyes". O dedilhado atravessa toda a faixa. O refrão pegajoso não é unanimidade entre os críticos do rock britânico, mas está valendo, até porque o Snow Patrol sempre teve mesmo vocação para tocar nas rádios (pelo menos nas rádios inglesas, claro!). Isso ficou bem claro em "It's Beginning to Get to Me". Se bem que eles não deveriam exagerar tanto. Ficou óbvio demais. E essa caixinha de ninar que ouvimos em "You Could Be Happy"? Provavelmente seja feita para tocar para os seus filhos pequenos dormirem de noite. Para uma banda escocesa que não quer ser tão depressiva como o Travis vai soar tudo um pouco fora do lugar! A última grande faixa do álbum vem com "Headlights on Dark Roads". Suas linhas ansiosas e nervosinhas bateram muito bem com a proposta do grupo nesse CD.
Snow Patrol - Eyes Open (2006)
1. You're All I Have
2. Hands Open
3. Chasing Cars
4. Shut Your Eyes
5. It's Beginning to Get to Me
6. You Could Be Happy
7. Make This Go On Forever
8. Set the Fire to the Third Bar
9. Headlights on Dark Roads
10. Open Your Eyes
11. The Finish Line
Pablo Aluísio.